domingo, 30 de octubre de 2011

Rush - Moving Pictures


Ahh!!! no hay nada mejor en la mañana, que despertar y poner buenas rolas

En una mañana donde el sol sale por el horizonte, el clima esta fresco, el cielo pinta bien, y hay buen Rock, no hay mejor disco como para recomendar que el Moving Pictures de Rush. Es el disco más vendido de Rush y contiene únicamente siete temas, aunque todos son de gran calidad.y si eso no es suficiente, recordemos que fueron grabados por tres músicos reconocidos por su maestría en la ejecución de sus respectivos instrumentos musicales, el trio canadiense, claro les hablo de Geddy Lee, en el Bajo, teclados y la voz (no es sorprendente, que un solo hombre haga todo eso), Alex Lifeson, en la guitarra y Neil Peart en la bateria

bueno acerca del album, el Moving Pictures es el título del octavo álbum grabado en estudio por el trio canadiense Rush y tuvo lanzamiento comercial en Estados Unidos en 1981, siendo editado posteriormente en edición limitada en pocos países de Latinoamérica. Este álbum es, hasta la fecha, la grabación más popular de Rush: fue certificado oro el 13 de abril de 1981 (tan sólo 2 meses luego de salir a la venta); platino, el 27 de abril de 1981; doble platino el 12 de octubre de 1984 y cuádruple platino (vendiendo más de cuatro millones de copias) el 27 de enero de 1995, alcanzando en 1981 el tercer lugar del Billboard 200 en Estados Unidos. Siguiendo la fórmula del álbum previo (Permanent Waves), Moving Pictures continúa dentro del exitoso formato radiable y está considerado como uno de los mejores álbumes de rock progresivo de la historia.

Este album contiene grandes clasicos de la banda y del Rock, como Tom Sawyer, Red Barchetta, YYZ, en fin todo el album es un clasico dentro del rock. El lado A del álbum comienza con la canción más popular de Rush: Tom Sawyer; una canción con una lírica rebelde y una ejecución admirable, uno de los temas cuya melodía es rápidamente reconocible desde el comienzo. Ha sido el sencillo más vendido en la historia de la banda, probablemente porque su estilo nunca pasa de moda. Tiene pequeñas referencias al personaje homónimo creado por Mark Twain en su obra Tom Sawyer y se constituye como un comentario abstracto sobre un guerrero moderno de mente abierta. La letra fue escrita por su baterista Neil Peart y es una oda a las tendencias de mente abierta, con un individuo que trata de asimilar lo mejor que puede ver en la gente, mientras lucha por conciliar al niño que hay dentro de él con el hombre que debe enfrentar la vida.

Red Barchetta, aunque el título fue una ocurrencia de Neil Peart al admirar un Ferrari 166 MM Barchetta de 1948. Este tema fue grabado en una sola toma, lo cual evidencia el nivel de virtuosismo alcanzado por los músicos en ese momento de su carrera. La música acompaña a la letra de una manera sencillamente perfecta


Uno de los mejores instrumentales de todos los tiempos, claro hablamos de YYZ. Esta cancion surge espontáneamente de un ensayo informal, durante las sesiones de grabación y se ha convertido en una de las clasicas del grupo, llena de mucho rock y grandes explociones con cada instrumento. El título de la canción proviene del código IATA asignado para el Aeropuerto Internacional Toronto Pearson. YYZ estuvo nominada al premio Grammy en 1982 como Mejor Instrumental Rock, perdiendo en la votación con el tema Behind My Camel de The Police, que tambien es bueno, pero ese hablaremos en otra ocacion.

Y no se nos olviden los temas como Limelight que son bastante rockeros y con una gran ejecución de los músicos, The camera eye que es con la que abren el lado B, con casi 11 minutos de duración y una soberbia introducción de más de 3 minutos, en The Camera Eye es donde Rush realmente explora el uso de los sintetizadores, que jugarán un papel preponderante en sus subsecuentes álbumes. Witch Hunt Una de las piezas más oscuras de Rush y el concepto, básicamente, es acerca de como gente manipuladora puede utilizar el miedo para dominar a las masas ignorantes a su antojo, tal como ocurrió en las épocas mencionadas. Y para cerrar con la grandiosa Vital Signs que es un verdadero cambio de acuerdo con la dirección musical de la época, liderada por The Police. Dicho cambio iba a marcar una pauta sobre en nuevo estilo que distinguiría a Rush durante la nueva década. La letra tiene que ver con las relaciones humanas y como estas se interrelacionan con los cambios de humor y de sensaciones corporales, proponiendo siempre un cambio constante, para poder tener balance en la vida diaria.

Grandísimo Rush, uno de los mejores grupos de la historia, no por nada es el cuadruple platino, sin duda alguna!!!.

Tom Sawyer 

Red barchetta

YYZ

Limelight

The camera eye

Witch Hunt

Vital Signs


viernes, 28 de octubre de 2011

Guns N Roses - Appetite for destruction


Take me down to the paradise city, Where the grass is green, And the girls are pretty, Take me home !!! (Oh, won't you please take me home!!!)

Uno de los discos que marcan historia y seran recordados por siempre, uno de esos discos es este Appetite for destruction, convirtiéndose en el disco debut más vendido a nivel mundial, reventando listas de ventas superando los 27 millones de copias (15 millones solo en los Estados Unidos), excitando al personal con sus andanadas de puro y genuino hard rock directo, estos tíos hicieron algo muy grande en 1987

Bueno el Appetite for destruction es el álbum debut del quinteto estadounidense Guns N' Roses cuyo nombre viene de dos grupos conocidos L.A Guns y Hollywood Rose, con el que se forma una alineacion historica. Fue lanzado al mercado por la discográfica Geffen Records, el 21 de julio de 1987. Hablando en muy general del disco les puedo decir que esta lleno de sexo, alcohol, drogas, violentos y con pasados turbulentos, que son los ingredientes mas indicados para parir un disco muy muy GRANDE.

Las influencias estan bastante claras, sonido inspirado en grupos como Aerosmith, Motley Crue, The Ramones y los Rolling Stones fluian en todos los sentidos del grupo, pero su sonido es muy propio, sin igual e inconfundible. La característica voz de Axl, bueno sus gritos, los movimientos en el escenario y no se diga del guitarrista, el hombre del sombrero de copa y larga melena rizada, lentes oscuros, creo que es uno de los guitarristas mas conocidos y uno de los que mejor tocan el instrumento, imposible no saber de Slash

Destacan varios temazos e imnos en el album, como Welcome to the jungle con un grito desgarrador de Axl  en la intro, que luego abren con un espectacular y bastante pegadizo riff, buenísima rola para abrir, sorprendernos y atraparnos. Nightrain, que te digo... es imposible escucharlo y no mover tu cabeza al ritmo y disfrarlo. El himno de todos los rockeros que destaca en el album y quizas es el tema mas grande de la banda, es Paradise City, qué sensaciones transmite el coro y toda la cancion, tambien otra de las que de seguro la cantas a todo dar... incluso es un tema muy lleno de sorpresas, crees que va a finalizar cuando empieza la explosion de instrumentos y el gran Slash ejecuta su solo... increible!!! claro en vivo es otra onda.  y no se me olvida una presiosa joya: Sweet child o'mine la balada del grupo, mundialmente conocida por toda la gente, es una gran pieza con gran sensibilidad, realmente impecable, nadie puede negar el feeling de Slash en su ejecución del solo y le pone gran intensidad en ese final preguntando ¿where do we go now? y como finalizan la obra, mas que excellente.

Un dato interesante ocurrio con la portada original,  que duró apenas dos semanas por polémica y la sustituyeron por la de la cruz con las caras calavéricas del grupo, esa fue una de las razones por la que la cadena MTV se había negado a mostrar videos de la banda, porque la cubierta original del disco, basado en una pintura de Robert Williams, era bastante polemico. A decir verdad me gusta la original con ese robot violador de chicas que es sorprendido por un monstruo que echa fuego y tiene cuchillas por dientes, espectacular. La producción de Mike Clink (Mötley, Megadeth o UFO) es otro de los puntos a favor de Appetite, por su sonido limpio y poderoso. disfruten de esta obra al maximo




Welcome to the jungle

It´s so easy

Nightrain

Out ta Get Me

Mr. Brownstone

Paradise City

My Michelle

Sweet Child o' Mine

You're Crazy

Anything Goes

Rocket Queen

jueves, 20 de octubre de 2011

Dream Theater - In the Presence of enemies

Explocion progresiva al maximo!!!

Con una intro cargada de mucha tecnica, complejos segmentos progresivos, ritmos cortantes, cambios variados en los tiempos, ritmos y melodias oscuras, y personajes fantasiosos, es con la que se abre el album Sistematic Chaos y tambien con la que cierran el album.
Bueno disfruten este poderio del Metal Progresivo, pero antes que nada no se asusten por ver los videos en 3 partes, eso no quiere decir que Dream Theater hizo una tercera parte, porque la verdad, solo esta divida en dos partes, que claro al unirlas suman mas de 25 minutos de puro Progresivo, convirtiendolo en su segunda obra mas larga.




miércoles, 19 de octubre de 2011

Yngwie Malmsteen - Fire and Ice


Debut en Japon como N° 1

El debut de Yngwie para Electra fue “Fire and Ice”. Un disco con magnificas composiciones, Las letras estaban compuestas basándose en los acontecimientos de la vida de Yngwie y la música estaba construida en base a estructuras barrocas. Con este álbum pudo por fin cumplir con uno de sus deseos al grabar con una orquesta: esto fue en los arreglos de “Badineire” originalmente en Suite Orquestal No.2, que esta en “No Mercy” y el solo de “Cry No More”. 

Aclamado por la critica “Fire and Ice” debuta en Japón en el numero 1 de las listas de ventas y vendió 10000 copias el día que salio a la luz. El disco llego a oro y platino en Europa y Asia. En junio de 1992, Yngwie regreso a Miami a descansar y a componer para el próximo álbum. 

Durante los '90, el estilo neoclásico de Yngwie no logró la popularidad de los '80 especialmente en los Estados Unidos, iniciando por el lanzamiento de su disco "Eclipse" que logró una buena ubicación pero no lo suficiente a pesar de su claro ángulo comercial pero aun así de gran contenido , y finalmente con "Fire & ice" disco que batió récords en Japón considerado una obra maestra por muchos de sus fanáticos, pero que debido a una mala promoción y al auge del Grunge no se logró el esperado éxito en el mercado americano.

Fire and Ice es quizás el menos reconocido de todos los lanzamientos de estudio de Yngwie. Las canciones de este disco son rara vez tocada en vivo y por lo general no llegan a ningún tipo de álbum de grandes éxitos. Pero por lo demás es un buen disco de heavy metal de Yngwie, encontraras todo tipo de canciones, en Dragon Fly por ejemplo creeras que resucito el gran Jimi Hendrix en la guitarra. En la mayoria de las obras encontraras cierto aire Glam combinado con Power y Neo Classical Metal. Recomiendo esta obra a pesar de las criticas que recibio y de la poca publicidad que tuvo

Perpetual

Dragon Fly

Teaser

No Mercy

Leviathan

Fire and Ice

Forever Is A Long Time

Final Curtain

martes, 18 de octubre de 2011

Tesla - The Great Controversy of the Radio


Uno de los discos imprescindibles del hard rock de los 80

The Great Controversy of the Radio es el segundo álbum de la banda de rock estadounidense Tesla, lanzado en 1989.  La banda como ya se dieron cuenta, toma su nombre del famoso Nikola Tesla, al que se le atribuyen inventos como la corriente alterna, y la tecnología inalámbrica, entre otros y al que se le negó la patente de la invension de la radio, en detrimento de Marconi, al que se le concedió la pentente de este invento.

El álbum se titula después de la controversia sobre la identidad del inventor de la radio. Se plantea que el ingeniero serbio Nikola Tesla  es el verdadero inventor de la radio, mientras que el italiano Guglielmo Marconi tomó el crédito y es considerado como el que el título. El disco a medida que avanza narra esta historia.


Las canciones combinan el heavy metal de los 80 con un poco de influencias y elementos del blues, así como la balada de amor ocasional. El disco contiene muchas de dos contrapuntos proporcionados por los guitarristas Frank Hannon y Tommy Skeoch, en las guitarras eléctricas y acústicas. La banda decidió introducir partes de guitarra acústica en sus temas, con eso el sonido de Tesla se escucho mas enriquecido que en  comparacion con su album anterior,  lo realmente importante es que esta introducion de partes acústicas en la música del grupo contribuyó a que “The great radio controversy” fuese un disco mucho más completo musicalmente hablando, que ningún otro publicado por Tesla.


“Love song” fue quizás el tema más destacado a nivel comercial de este disco, consiguiendo ser el primer éxito de la banda y uno de los más conocidos de toda su carrera, digamos que por esta cancion fue que llega a conocer esta grandiosa banda, hablar de esta cancion es decir de uno de los temas mas hermosos que nos dejaron los 80. Paradise es la otra maravilla con la que termina The Great Radio Controversy. Es casi imposible dar con un álbum tan homogeneo. Cualquier tema podría ser el single. Es una obra maestra. El premio llegaría un año después con el que para muchos es el mejor unppluged de la historia, Five Man Acoustical Jam.

Los singles "Love Song", “Heaven’s trail (No way out)”, “The way it is”, recibieron considerable salidas al aire por parte de MTV y llevaron al estrellato a la banda estadounidense. RIAA certificó el álbum de platino 2x el 23 de julio de 1998. No cabe duda que “The great radio controversy” es uno de los discos imprescindibles del hard rock de los 80 y de la música rock en general.

Hang Tough

Lady Luck

Heaven's Trail (No Way Out)

Be a man

Lazy days

Did It for the Money 

Yesterdaze Gone

Makin' Magic

The Way It Is

Flight to Nowhere

Love song <3

Paradise

Party's Over

viernes, 14 de octubre de 2011

Scorpions - Lovedrive



Primer disco de Oro y la mejor portada según la revista Playboy, que mas puedes pedir de Scorpions

Lovedrive es el sexto álbum de estudio de la banda de heavy metal alemana Scorpions, lanzado en 1979. Obtuvo el puesto # 55 en los Billboard 200. Lovedrive es el último álbum de Scorpions en los años setenta, y es cuando pierden al guitarrista Uli Jon Roth de la formacion, y lo remplazan por Matthias Jabs. El guitarrista Uli Jon Roth, que fue miembro de la banda en sus inicios, participó en parte de la grabación del álbum, despúes de su salida de UFO, aportando la guitarra líder en las canciones "Another Piece of Meat", la instrumental "Coast to Coast" y "Lovedrive". Pero debido a su adicción al alcohol y a sus arrebatos arriba de los escenarios es reemplazado definitivamente por Matthias Jabs, retirandose para formar su propia banda MSG.

Con este disco parten de gira por EE.UU. junto a AC/DC, Aerosmith y Ted Nugent. La RIAA certificó a 'Lovedrive' con Oro el 28 de mayo de 1986. Siendo el primer disco de oro en EE.UU..

En Lovedrive se aprecian ciertos cambios en la forma de componer, es de notar que las canciones se hacen más directas y menos complejas, pero siempre mantienen el nivel. Hay que recordar que este es un álbum muy variado, con distintos tipos de composición, Is There Anybody There?, escucharan aires reggae, instrumentales como Coast To Coast, claro no es de olvidar que Hay un par de baladas bastante famosas

La carátula del disco, fue una vez más motivo de controversia  al igual que las portadas de In Trance, Virgin Killer y Taken by Force, por lo que fue censurada y debió ser creada una versión alternativa, mostrando la imagen de un escorpión en un fondo azul. Sin embargo, la portada original fue elegida como la "mejor portada de un álbum" en 1979 por la revista "Playboy". Disfruten de la portada, ups!!! se me olvidaba, tambien del album, grande Scorpions !!!

Loving you sunday Morning

Another piece of meat

Always Somewhere

Coast to coast

Cant get enough

Is there anybody there

Lovedrive

Holiday

jueves, 13 de octubre de 2011

Paul Gilbert


Guitarrista que no se pueden perder, es uno de mis maestros

Paul Gilbert es uno de los mas grandes y conocidos guitarristas, recientemente ha participado en el famoso concierto G3 junto a John Petrucci y Joe Satriani, entre sus influencias van desde Eddie Van Halen e Yngwie Malmsteen hasta otras no tan comunes para un guitarrista de este estilo, como The Beatles, The Beach Boys y The Ramones. Paul Gilbert comenzó a tocar la guitarra a los 5 años, y a los 15 apareció por primera vez en la revista Guitar Player junto a Yngwie Malmsteen. En 1984 se mudó a Los Ángeles para ir a estudiar al Guitar Institute of Technology, volviéndose instructor al año.

Es considerado uno de los guitarristas más rápidos del mundo, por ello salió elegido dentro de los diez primeros en una encuesta de la revista Guitar One. No sólo se destaca por su habilidad en la guitarra eléctrica, sino que también ejecuta con la guitarra acústica a un gran nivel, como demuestra en sus discos Acoustic Samurai y Gilbert Hotel.

Ha editado algunas lecciones en video, como Intense Rock - Sequences & Techniques, Intense Rock II, Guitars from Mars, Guitars from Mars II y Terryfying Guitar Trip, donde demuestra sus habilidades como guitarrista y como instructor, enseñando a tocar la guitarra con muy buen sentido del humor. Digamos que yo me influencie de Paul Gilbert por sus multiples lecciones que encontraba en internet.

Entre sus alumnos más destacados se encuentran Buckethead (Muchos pensaron que este era en realidad Paul Gilbert), Akira Takasaki. También ha dado clases en la academia musical GIT de Japón y de Los Angeles.

Fue miembro y fundador de Racer X y Mr. Big. En 1996 dejó el grupo Mr. Big (siendo reemplazado por Richie Kotzen) y comenzó su carrera solista, de entre sus discos como solista puedo destacar varios. Usa guitarras Ibanez y tiene varios modelos propios, como la PGM-301. Hoy en día ya no usa guitarras con puente flotante, porque prefiere el sonido del puente rígido y el vibrato natural. Bueno ahora disfruten de este gran guitarrista

Tecnical Dificulties

Insane the guitar


Addicted to That Rush

Take Cover


Superheroes

Street Lethal

Scarified

Little Wing

Frenzy

Motor man

Viking Kong

God of the Sun

sábado, 8 de octubre de 2011

Motley Crue - Dr. Feelgood



Nikki Sixx muere dos veces en el mismo año y vive para contarlo en el Dr Feelgood.

Grupo sin necesidad de presentación no hace falta decir que los Mötley Crüe fueron una de las bandas más salvajes de la escena rockera-metalera de los 80. Máximo representante de toda la parafernalia glam metal del heavy californiano. Después de Girls Girls Girls y la década de los 80 a punto de terminar, la industria del disco estaba preparada para dar a los Mötley por acabados y pasados de moda pero como el mismo Nikki Sixx declara en la biografía "The Dirt", les descartaron demasiado pronto.

Por primera vez en su vida el grupo iba a trabajar sobrio y desintoxicado, cosa que obviamente tampoco puso las cosas fáciles en el estudio, y con un productor que no iba a decir que sí a cualquier idea del grupo, Bob Rock. Si en dos semanas Mick Mars grabó todas las guitarras de Shout at the Devil, ahora ese tiempo era necesario para acabar un tema. Pero desde este disco Mick consiguió su estilo, su sonido, todos crecieron como músicos e incluso Vince Neil no desafina ni una nota. Seis meses sobrios con seis meses de estricto trabajo en estudio que casi acaba con el grupo pero que en lugar de eso les llevó a hacer el disco más exitoso de los Crüe y su primer y único Nº1 en ventas. Prácticamente todos los temas del disco se convirtieron en single y los Mötley Crüe se convertirían en estrellas del rock super millonarias para siempre.

Después de la misteriosa intro Terror n' Tinseltown, empieza un cañonazo de tema, la canción que da nombre al disco, Dr. Feelgood suena y aplasta como un trueno. La batería y bajo es un bloque hard rockero y potente, Mars se muestra inspiradísimo y Neil canta de maravilla con unos coros perfectos. Solo por este tema ya vale la pena la compra del disco, pero hay más...

Slice of you Pie es un tema sexy y bailongo muy macarra con un final a lo I want you (she's so heavy) de los The Beatles, Rattlesnake Shake vuelve a ser esa cara festiva y rockanrolera de los Mötley, con el sexo como tema estrella, el otro ingrediente principal después de las drogas, tanto del disco como de la vida del grupo. En este tema se introduce un Honky Tonk piano y una sección de vientos muy bien colocados.

A continuación el otro grande del disco junto con Dr. Feelgood. Kickstart my Heart es uno de los temas más rockeros de los Crüe, con unos coros de infarto y una guitarra de Mars tremenda. En este tema los Mötley también intentan describir su estado después de una buena dosis de alguna sustancia ilegal. El talk-box de Mars tambén es otra de las señas de identidad del tema. Imprescindible.

Como no podía ser de otra manera, en el disco también hay espacio para las baladas, Without you y Time for a change son las elegidas. En el apartado lentas me quedo con la fantástica semi-acústica Don’t go away mad, con ese aire casi country y melancólico.

En Sticky Sweet participan en los coros grandes como Steven Tyler, que se encontraba cerca del estudio del grupo grabando el excelente album Pump con Aerosmith. El ruido de una cremallera bajando también nos hace adivinar a donde se dirige la chica de She goes down, temas con mucho gancho y rockeros a tope.

En definitiva un disco con un Nikki Sixx muy inspirado en concepto y composición que junto a la labor de Bob Rock lo convirtió en un clásico super ventas. El sonido es perfecto y de hecho fue el disco que hizo que por su sonido, Lars Ulrich se interesara en trabajar con Bob Rock para lo nuevo de Metallica (no hace falta recordar como suena bajo y batería en el Black Album).

Después de esto empezaría una gira extenuante, el recopilatorio Decade of decadence (con un fantástico tema nuevo llamado Primal Scream), más giras y casi sin respiro la discográfica les metio de nuevo en el estudio, todo eso intentando no tomar ni una droga o gota de alcohol. De ninguna manera podía tener un final feliz... sin mas que recordar, en 2009 los Mötley Crue originales tocaron el disco completo por su 20 aniversario en su propio festival "Crüe Fest". Será cierto lo de mala hierba nunca muere, sino preguntenselo a Nikki Sixx.

Incidente de Nikki Sixx


Al igual que sus compañeros, Sixx se aprovechó del exceso permitido por el rock n' roll, rebasando a sus compañeros en abuso de alcohol, cocaína y heroína. Sixx ha dicho en varias ocasiones que usaba su cuerpo como un juego de química humano, mezclando cantidades excesivas de drogas frecuentemente para buscar un nuevo estado de "high". El 14 de febrero de 1987, durante un viaje a Londres, Sixx sufrió una sobredosis en la casa de un vendedor de drogas. El traficante lo tiró en un contenedor de basura dándolo por muerto, tras haber intentado parar las convulsiones y despertarlo golpeándolo con un bate de béisbol. Este incidente inspiró el verso "Valentine's in London, found me in the trash" ("San Valentín en Londres, me encontré en la basura") de la canción Dancing on Glass. La noche del 23 de diciembre del mismo 1987 Sixx fue declarado muerto después de sufrir otra sobredosis, siendo reanimado por dos inyecciones de adrenalina en el corazón administradas por el personal sanitario del hospital donde fue ingresado. Este incidente inspiró a Sixx a escribir la canción Kickstart my Heart.


Después de sufrir esta sobredosis, y presionados por su representante, él y sus compañeros decidieron rehabilitarse para alcanzar sobriedad. Fue entonces cuando la banda logró su mayor éxito, con el álbum Dr. Feelgood, en 1989, producido por Bob Rock. Cuando Mötley Crüe se reunió al final del 2004, Sixx se declaró sobrio. Es conocido por ser una de las estrellas de rock más excesivas que han sobrevido y goza de un estado "legendario" entre críticos de música. Mientras que Mötley Crüe ha sido criticado fuertemente por la prensa debido a sus excesos, Sixx es mencionado frecuentemente junto a otros legendarios rockeros que viven la "vida rápida", como Lemmy Kilmister y Ozzy Osbourne.


T.nT. (Terror in Tinseltown)

Dr. Feelgood

Slice of your Pie

Rattlesnake Shake

Kickstart my heart

Without you <3



Same ol' situation (S.O.S.)

Sticky Sweet

She goes down

Don't go away mad (just go away) 

Time for a change


Van Halen - 5150


La ruptura entre los hermanos Van Halen y David Lee Roth supuso  un shock para la comunidad hardrockera y fanaticos de la banda. 

Desde su debut a finales de los setenta, el cuarteto americano había liderado la escena, con seis lanzamientos entre los que se cuentan auténticas obras maestras “VH I”, “VH II” y “Women and Children First”, junto a “1984”, con todos aquellos hits inolvidables “Jump”, “Panama”, “Hot for Teacher”


5150 es el séptimo álbum de estudio del grupo de hard rock Van Halen, el primero que hicieron tras la salida de David Lee Roth con el cantante Sammy Hagar. Eddie Van Halen comentó al respecto: "perdimos un frontman, pero ganamos un cantante".

Se nombró así al disco por el estudio casero de Eddie Van Halen, 5150, que en realidad es un código policiaco de California para referirse a una persona dañada mentalmente, bueno en fin, es un disco que consta de nueve canciones, y suena tan fresco como el día de 1986 en que vio la luz. Desde ese “Hello Baaaaaaby” con que Sammy Hagar nos saluda al comienzo de “Good Enough”, un temazo lleno de alegría y vitalidad como todo el album. El álbum se colocó en el #1 de las listas y la canción "Why Can't This Be Love?" fue #3 en Estados Unidos. El álbum ha vendido mas de 7 millones de discos

Años después Sammy Hagar también saldría de la banda echando pestes de los dos hermanos, pero en 1986 ambas partes vivían un idilio que se tradujo, repito, en excelentes resultados musicales y grandes giras por Estados Unidos. Recuerdo las crónicas de los shows que durante el verano del 88 disfrutaron los afortunados yanquis en un tour itinerante que reunió a Metallica, Dokken, Scorpions, Kingdom Come y los nuevos Van Halen, todos ellos en los mejores momentos de sus carreras.

En “5150” tenemos un single muy digno y disfrutable, como “Why Can´t this be Love”, es una obra dinámica y optimista, llenas de vida y de ritmo, como corresponde al mejor rock ligero americano “Best of Both Worlds”, el tema título, o “Get Up” con magistral solo de guitarra, un tema maravilloso, “Dreams”, con preciosa introducción de Eddie a los teclados; la balada de turno, “Love Walks In”, extraordinaria, de las mejores de toda aquella década, seguramente la mejor que compuso esta banda; y dos muestras del estilo Van Halen de toda la vida: “Summer Nights”, mas que perfecta y la final “Inside”, el tema donde más planea el espíritu Roth, como sólo Van Halen eran capaces de ofrecer. Bueno eso fue mas que suficiente para convencerte a escuchar el album. Disfrutalo.

Good enought

why can´t this be love?

Get up

Dreams <3

Summer nights

Best of both worlds

Love walk in

5150

Inside


domingo, 2 de octubre de 2011

Yes - 90125

The eagle in the sky, How he dancin' one and only, You - lose yourself...

90125 es el undécimo álbum de estudio de la banda de rock progresivo Inglés Yes, lanzado en 1983 en el sello Atco. Fue el primer álbum de estudio desde su separación en 1980. También es el primer álbum en función de Trevor Rabin, y cuenta con el regreso del vocalista Jon Anderson, que había dejado la banda en 1980. También fue la primera vez en doce años que el tecladista original de Tony Kaye había aparecido con el grupo.

El lanzamiento del album se dio en otoño, con Atlantic Records, Atco,  90125 se lanzó a la edad de MTV y de una nueva clase de fans. La música era pegadiza, contemporáneo y muy apreciado por los críticos y sus nuevos fans, muchos de los cuales tenía poca idea de la encarnación anterior de la banda. El primer sencillo, "Owner of a Lonely Heart", se convirtió en la banda de la primera y única de EE.UU. # 1 hit, impulsando 90125 para el Top 5 y ayudando a vender tres millones de unidades sólo en los EE.UU., con mucho exito vino el álbum de Yes. "It can Happen", "Changes", y "Leave It" llegó a todos los top ten de la lista Hot Mainstream Rock Tracks durante el año 1984. Las ventas británicas no son tan espectaculares, pero sólida, y accesos sucesivos, tales como "Leave It" y "it can Happen" aseguró 90125 tuvo una vida larga carta. Además, "Cinema" ganó el Premio 1985 al Grammy por Mejor Interpretación Rock Instrumental.

El Logotipo del álbum fue creado y diseñado por Garry Mouat en las imágenes variadas en una computadora Apple IIe, y una variante sería utilizado en el próximo álbum de Yes Generador (Atco 790 125) alcanzó el puesto # 16 en la listas del Reino Unido y alcanzó el puesto # 5 en los EE.UU. durante su estancia carta de 53 semanas.

90125 representa un cambio considerable en el estilo de Yes. El grupo se fue con un paisaje musical que estaría más en sintonía con la década, y al mismo tiempo, no es completamente ajeno a su pasado. este álbum atrae ciertas expectativas, Es sorprendente que la presencia distintiva voz de Anderson y Squire, coros y el bajo. La fuerza del disco se encuentra en las melodías inmediatamente la atención de las canciones, y las armonías vocales impresionantes en todo el álbum.

Owner of a lonely heart

Hold On

It can happen

Changes

Cinema

Leave It

Our song

City of Love

Hearts